When you encounter an installation piece at Ha Won’s show <Digital Eclipse>(Mok Kum Toh Gallery, Aug. 10 – 17, 2004), you initially would feel like being thrown into empty space where there is no datum point. As you walk down stairs to exhibition hall, you are absorbed into a dark space; inside this dark space on the third floor, completed with black floor and ceiling and white walls, numerous thin white strings are densely hung from ceiling down to floor and create several layers of screens, standing in rows and drawing gentle arcs. A crimson sun imaged from a projector at the end of gallery rises from floor, passes through screen and sinks into ceiling, and a black sun of solar eclipse from a projector at the other end also repeats passing through floor, screen, wall and ceiling. Inside the dark space surrounded with sound effects of bell-ringing, wind, waterfall or throb of earth, it may feel vain and meaningless to watch sun slowly rising and sinking in every three minutes. Most of all, you would feel puzzled where to stand to appreciate properly, since it is not easy to perceive the primary element inside this unclear space where ‘artwork’ and ‘background’ are not separated.
However, this puzzling circumstance is not unfamiliar at all within art scene after the 20th century when the installation grew to be one of the main artistic expressions. Artist’s efforts to make viewers participate in artworks were presented as attempts to get together art work’s space with viewer’s space, and at the same time, their efforts allowed more freedom and power to viewers than before. Art works in various forms, painting works inside frames, sculptural works on supports or within walls, visual works projected onto screens and etc., were able to become the worlds as microcosmos (μακρόκοσμοϛ) and also could remain independent and keep distances from viewers. On the other hand, viewers of contemporary art often needed to ponder about “relationships” between work and artists and space and themselves, rather than think about the work itself. This is because the awareness – an artwork is only a fraction of diverse compositional elements of microcosm (μακρόκοσμοϛ), the whole universe – was widely spread out.
A viewer who wants to ‘look at’ <Digital Eclipse> has to stand at one corner of gallery or move along walls, but such his/her approach to keep certain distance from work soon goes away. Screens composed of strings with metal pendulums at the bottom slightly wave as viewers walk by, and consequently, the image of sun on them also sways softly. And viewers would experience their shadows create another solar eclipse, in addition, some viewers who try to produce more dramatic forms could recognize their moves around projector have an effect on sounds inside gallery. In the world made with simple sounds and images that change slowly, viewers are able to acknowledge vividly changes according to their movements.
Since 2002, Ha Won has progressively attempted to give more active roles to viewers in her works; the most significant change from her early works done with molded papers from shrubs or leaves is that she stops creating a ‘space’ with main objects and controls her own artistic activity to create a ‘situation’ with sound and image and to make viewers involve in the works. Such an approach to make works developed not by resolute space but by viewer’s participation is to “make viewers engage into works” as she says. Still, her interest in natural motives such as tree, leaf, shadow and wind and her refined handwork using wet paper are consistently reflected on her current works; as she started using digital media, moreover, her handcrafted tendency to put together paper pieces or feathers seems rather more strengthened. In addition, her work transformed into an environment where viewers should walk in from an object that they should look at.
Ha’s previous works and exhibitions, including <시간의 자리를 맴돌다>(Kunho Museum, 2002): images of woods and river and blinked them on and off, <숨 Respiration>(Maronier Gallery, 2002): a creation of a crimson sun on the big screen made of feathers, and <Between 사이 極-極>(Sungkok Museum, 2004): a camera obscura work that sceneries of field and riverbank appear and disappear repetitively from two monitors, resemble the ‘skenographia’ the background picture of theater stage. As skenographia is completed when actors involve in it, her works seem to become existences required to be experienced not isolated objects as well as parts of microcosmos.
Then, who are the actors in space of <Digital Eclipse>. How the artist and the viewers who are experiencing artificial eclipse created by the artist can meet each other. Some among the viewers try to comprehend the artist’s intension and others remind their own personal experiences from the work. Also, one may be interested only in sophisticated shadows of themselves within the crimson sun and the bluish eclipse, and the other one may pass through the work without knowing his/her moves affect sound and reflection of light. However, the important thing is that the experiences of viewers, standing in the center of the image of sun repeating encounter and separation with their own shadow, connect and respond to the artist’s act of invisibly controlling the environment and sending stimulation toward them.
In this exhibition, many different thoughts are coming up from philosophical examination of birth and death of an existence to simple technological curiosity how she could suspend all these shoelaces to the ceiling. Thus, this exhibition provides us a good opportunity to think back to the fundamental questions on art such as what is artist’s role, what is viewer’s role, and how are the interrelationships among work, artist and viewer.
하원의 2004년 개인전 <디지털 이클립스 Digital Eclipse> (목금토 갤러리 2004.8.10-17)에서 가장 먼저 떠오르는 인상은 마치 기준점이 없는 허공에 던져진 듯한 느낌이다. 전시장으로 들어서는 관객은 계단을 내려가면서 점차적으로 어두운 공간 속으로 침잠하게 되는데, 검은 바닥과 천정, 그리고 흰 벽으로 이루어진 3층 전시장 내부에는 천정으로부터 바닥까지 하얀 줄들이 조밀하게 드리워진 스크린이 완만한 호를 그리며 겹겹이 늘어서 있을 뿐이다. 전시장 한쪽 끝에 설치된 영사기로부터 투사된 붉은 태양이 바닥에서 떠올라 스크린을 관통하면서 천정으로 지고, 반대편 끝에 설치된 영사기로부터 투사된 개기 일식 상태의 검은 태양이 바닥과 스크린, 벽, 천정을 스쳐가는 주기를 반복하고 있다. 타종소리, 바람소리, 폭포소리, 또는 땅의 울림과 같은 음향이 퍼지는 어두침침한 전시장 속에서 이처럼 태양이 3분여 간격으로 천천히 떠올랐다 사라지는 것을 계속 지켜본다는 것은 무의미하고 허무하게 느껴질 수도 있다. 관객들은 무엇보다도 작품을 감상하기 위해서 어떤 지점을 점유해야 하는지에 대해서 당혹감을 느끼게 되는데, ‘작품’과 ‘배경’을 분리할 수 없는 상황 속에서 공간을 지배하는 주인공이 누구인지 쉽게 파악이 되지 않기 때문이다.
설치 작업이 주류로 떠오른 20세기 이후의 미술 현장에서 이러한 상황은 전혀 낯선 것이 아니다. 관객을 참여시키려는 미술가의 노력은 작품의 공간과 관객의 공간이 서로 만나게 하려는 시도로 집중되었으며, 과거와 비교할 때 관객들은 더 많은 자유와 권한을 지니게 되었다. 프레임 속의 회화 작품, 받침대 위나 벽감 안에 설치된 조각 작품, 그리고 관람석과 분리된 무대 막 위에 투사된 영상물 등은 완결된 하나의 소우주로서의 세계, 즉 미크로코스모스 (μικρόκοσμοϛ)인 동시에 이를 대하는 관객은 타자로서의 거리를 유지하고 독립적인 입장에 서 있을 수 있었다. 반면에 전시장을 찾는 현대의 관객들은 작품 자체 보다는 작품과 작가, 전시장과 감상자 자신 사이의 “관계”에 대해서 고민해야 하는 처지에 빠지는 경우가 많다. 우리가 보는 미술 작품이 총체적 세계인 마크로코스모스 (μακρόκοσμοϛ)를 구성하는 복합적인 요소들 중의 일부, 또한 한 단면에 불과한 것이라는 인식이 광범위하게 확산된 때문이다.
<디지털 이클립스>를 ‘바라보려는’ 관객은 먼저 전시장 한쪽 모서리에 서거나 벽을 따라서 움직일 수밖에 없는데, 작품과 일정한 거리를 유지하려는 이러한 태도는 곧 허물어지고 만다. 끝에 금속 추를 달아서 길게 드리운 흰 줄들로 만들어진 스크린은 사람들이 곁을 지나감에 따라서 가볍게 파동하게 되는데 이에 따라서 그 위에 투영되는 태양의 영상 또한 가볍게 흔들린다. 또한 스크린 앞에 다가선 감상자는 영사기를 등진 자신의 그림자가 또 다른 일식을 만들어 내는 것을 경험하게 되며, 이러한 자극에 끌려서 좀더 적극적으로 상황을 연출하려는 이들은 영사기 앞을 지나치는 자신의 움직임 또한 전시장에 퍼지는 음향에 영향을 미친다는 사실을 알게 된다. 단순한 음향과 느린 속도로 변화하는 이미지의 세계 속에서 관객은 자신의 움직임이 불러일으키는 변화를 생생하게 인식하게 마련이다.
2002년 이후 하원의 작업에서는 이처럼 관객에게 적극적인 역할을 부여하려는 의도가 증대되고 있음을 목격할 수 있는데, 종이로 주형된 나무 둥치나 잎사귀 등을 투명한 상자에 넣어서 반복적으로 나열하던 초기 작업과 구별되는 가장 큰 변화는 오브제를 주인공으로 삼아서 ‘공간’을 연출하는 대신에, 소리와 이미지로 관객이 ‘상황’에 적극적으로 개입할 수 있도록 작가의 행위를 억제하고 있다는 점이다. 공간이 결정된 것이 아니라 관객에 의해서 전개되도록 하는 이러한 태도는 작가 자신이 밝힌 의도대로“작품에 관객을 끌어안고자”하는 것이라고 하겠다. 나무, 잎사귀, 그림자, 바람 등과 같이 자연적 소재에 대한 작가의 관심이나, 젖은 닥지를 이용해서 일일이 손으로 떠내던 섬세한 작업 방식은 현재의 작업에서도 일관되게 반영되고 있는데, 디지털 영상 매체를 본격적으로 사용하기 시작하면서는 한지를 조각조각 붙이거나 깃털을 촘촘하게 이어서 영사막을 만드는 등 수공예적인 경향이 오히려 더 강화되고 있다고 보아야 할 것이다. 하지만 규모가 확장되면서 작품은 이제 바라보아야 할 물체로부터 그 안으로 들어가서 거닐어야 할 환경으로 전환되었다.
바람에 흔들리는 숲과 강물의 영상을 느린 속도로 재현하면서 점멸하도록 했던 2002년의 개인전 <시간의 자리를 맴돌다> (금호미술관)나, 깃털로 만들어진 커다란 막 위에 붉은 태양이 중심점으로부터 나타났다가 다시 소멸되도록 한 2002년 작업 <숨> (2002; 마로니에 미술관), 그리고 두 대의 모니터에서 들판과 물가의 풍경이 드러났다가 사라지기를 반복하게 만든 카메라 옵스큐라 작업 <사이 極-極> (2004; 성곡미술관) 등은 연극의 무대 배경화인 스케노그라피아 (skenographia)를 연상케 하는 부분이 있다. 배우들과 함께 할 때 비로소 총체를 이루게 되는 스케노그라피아와 마찬가지로 하원의 작업은 격리된 대상물이 아니라 관객이 경험해야 할 존재인 동시에 마크로코스모스의 한 단면인 것처럼 여겨진다.
그렇다면 <디지털 이클립스>의 공간에 있어서의 배우들은 누구일까. 그리고 작가와, 그가 조작해 낸 인위적인 일식 현상을 체험하는 관객들은 서로 어떻게 만날 수 있을까. 관객들 가운데 어떤 이는 작가의 의도를 간파하려 애쓰고 또 다른 이는 자신만의 개인적인 체험을 떠올리기도 한다. 또한 누군가는 강렬한 색채의 붉은 해와 푸르스름한 일식 위에 떠오른 자신의 세련된 그림자에만 관심이 있을 수도 있고, 다른 누군가는 스스로가 소리와 빛의 반향에 영향을 미치고 있다는 것을 알아차리지 못하고 스쳐 지나갈 수도 있다. 중요한 점은 스크린을 한 겹 한 겹 투과하면서 점차로 약해지다가 반대편 극점에 있는 자신의 그림자와 만났다가 헤어지기를 반복하는 태양의 이미지 한 가운데 서 있는 관객의 체험이, 드러나지 않는 곳에서 세심하게 환경을 통제하고 관객에게 자극을 보내고 있는 작가의 행위와 연결되면서 서로 반응하고 있다는 사실이다.
존재의 생성과 소멸에 대한 철학적인 고찰로부터 시작해서 이 수많은 운동화 끈들을 어떻게 프레임에 매달 수 있었을까 하는 단순한 궁금증에 이르기까지 모든 사유가 가능한 하원의 이번 전시는 미술 작품에 있어서 어디까지가 작가의 몫이고 어디까지가 관객의 몫인가, 그리고 작품과 작가, 관객이라는 세 요소의 상호 관계를 어떻게 규정할 수 있는가라는 미술의 근본적인 문제를 다시 한번 되짚어 보게 하고 있다.