Won Ha records the accumulated time of an aged tree, the flow of time that can be found within the growth of a tree. She traces the passing time in her paper work by casting the weathered tree with layers of paper or pulp.
‘Time on Paper’ was the theme of her solo exhibitions in 1998. She casts the shape and surface texture of a tree with various papers such as Korean paper and pulp. Sometimes, the casted tree shape is transformed into the opposite form by turning the cast paper inside out with added moisture. The result is a reversal of inside and outside. The inside of paper object is empty even though it represents a bulky and heavy tree. The solid entity of a tree becomes the shell that holds air inside.
Leaving the continuous time temporarily Her works exist in the border of inside and outside, and real and unreal. She intends to stand outside the flow of time by showing the tranquil state, which exists in the in-between space. As a result, a sense of suspended time is provoked. Her work makes the audience forget the before and after since it cuts off their perception in time. The marks of a tree transferred onto paper transcend the hollowness of time and space and the surroundings of paper create a quiet forest filled with fresh air.
To cast an object with wet papers is similar to the method of traditional Korean wet-frotage’. It also reveals its quality as printmaking. She explains, while concentrating on the concept of tracing images from plate within the process of casting, I could avoid the artificiality of image making. I replaced the plate with the stump of a tree which contains the order of nature, the aeration.
In other words, she excludes an artificial process by imprinting the plate of a tree. The papers are made from wood and they have a flexible quality; they become smooth when wet and firm when dried. Considering they are originally made from trees, we find that she is copying the texture of a tree with the attribute of a tree. The reason she uses papers is because she feels comfortable with the nature of paper and it is delicate enough to grasp the very details of a tree. In this way, she ceaselessly experiments with the limitations and possibilities of papers in her works.
With her paper works, she also produces print works that represent the silhouettes of branches of a tree on the translucent papers. And a silkscreen piece called <Waves> expresses a rhythmic feeling with using only primary colors. Her print works are based on red, blue, yellow, black and white colors ;these colors resemble the traditional five colors of Korea.
Since her attempts reveal the essential and conceptual nature of a tree and, at the same time, the limited colors generate a very strong feeling contrasted with the natural colors of paper pieces. In her solo exhibition at Gallery Icon in 1998, she put together the prints of a tree and placed them on the three walls that surround paper objects. Therefore, her intention to create a composition of contrast between three-dimensional paper objects and colorful artificial prints in the same space was completed.
Following the flow of delicate changes To her, texture is a primary factor that exists in her whole works. The fine texture of grains of a tree on papers, the waves of wind through the hollow paper objects, and <Waves> constituted of numerous tiny shapes; they all display the flow of delicate changes in nature. Although they are not seen visually, they are alive and prove the movement of life. To contain such delicate movements and differences she chooses a method of repetition. The repetition also represents an attribute of printmaking in that it produces many pieces from one plate. However, she focuses on the differences by juxtaposing slightly different pieces, rather that the same pieces.
The subjects and concepts of her works lead to the calm sense of the East. Especially, <Silence>, completed with repetition and minute differences of leaves, shows such character clearly. Made from repetition of silent and subtle changes, the fragile paper objects float over the space. The tranquil state and the emptiness of her works also seem to be linked to the philosophy of Taoism or Buddhism.
Let’s forget the changes of time in this fast-moving material world and pause in front of her inactive works for a moment.
숲 속의 작은 나무가 고목이 되어가는 시간의 변화 속에서 하원은 마치 사진을 찍듯, 비바람을 맞고 늙어버린 나무의 현재시간을 기록한다. 그녀는 수많은 세월의 무게를 안고있는 고목에 한지나 펄프를 겹겹이 붙이고 말리는 작업을 통해 자연 속에서 고목이 지내온 시간의 궤적을 담는다.
‘종이로 떠낸 시간’. 98년 가진 두 번의 개인전에 그녀가 붙인 주제였다. 그녀는 한지나 펄프 등 다양한 종류의 얇은 종이를 이용해 나무의 겉껍질의 형체를 그대로 뜬다. 그리고 이 껍질에 다시 물기를 주어 뒤집음으로써 그것은 종이 오브제의 안쪽이 되기도 한다. 다시 말해 안과 밖이 바뀌는 것이다. 육중해 보이는 굵은 나무 형상을 한 종이 오브제의 속은 비어있다. 단단했던 나무의 실체는 얇은 종이로 만들어진 속이 빈 ‘허물’이 되어 나이테로 꽉 차 있던 그루터기에 바람이 드나들게 된다.
연속된 시간에서 잠시 떠나다. 이처럼 그녀의 작품은 안과 밖, 허구와 실체의 경계에 머물러 있다. 그 중간지점에 존재하는 정적인 상태를 보여줌으로써 잠시 시간의 흐름 밖에 서 있고자 한다. 그것은 있었다가 없어짐을 반복하는 자연의 순환에서 한순간, 시간이 정지된 것 같은 느낌을 불러일으킨다. 그녀의 작업은 시간의 연속 가운데서 진행되는 인식작용을 단절시켜 잠시 앞과 뒤를 잊게 한다. 종이로 뜰 때 나무가 가지고 있던 흔적은 시공을 초월하여 눈앞에서 잔잔하게 가라앉으며 종이 오브제 주위의 공간과 비어있는 속은 고요한 공기의 숲을 형성한다.
자연물에 젖은 종이를 대고 겉형태를 뜨는 것은 전통적인 탁본(拓本)과도 통한다. 또한 그것은 판화의 속성을 드러낸다. 이에 대해 그녀는 다음과 같이 설명한다. “판화의 제작과정 중에 ‘판’으로부터 이미지를 ‘옮긴다’는 개념에 집중하면서 이미지 표출에 있어 인위성을 탈피하게 되었다. 시간의 흐름 속에 성장하고 죽어, 다시금 풍화라는 자연의 질서를 담고 있는 나무의 등걸들을 ‘판’의 개념으로 대치하였다.”
즉 자연물을 그대로 ‘판’으로 삼아 인위적인 과정을 배제하고 종이로 떠 복제하는 것이다. 나무를 뜨래 사용하는 재료로 선택한 종이는 그 또한 나무를 주원료로 하는 것으로 젖으면 부드러워지고 마르면 그 상태로 굳어지는 유연성을 가지고 있다. 종이의 원료 자체가 나무인 것을 생각해보면 결국 나무의 껍질을 이용해 다시 나무의 껍질을 옮기는 것이 된다. 종이를 선택한 이유를 묻는 질문에 그녀는 종이가 주는 ‘편안함’이 좋고 섬세한 부분까지 담아낼 수 있어서라고 말한다. 이런 작업을 통해 그녀는 종이가 갖고 있는 한계와 가능성을 끊임없이 실험한다.
종이 작업과 병행하는 판화작업에서는 나뭇가지들이 엮어내는 실루엣을 반투명한 트레팔지에 찍어 보여준다. 실크스크린 기법을 이용한 <물결>도 기본색만을 이용하여 리듬감을 표현했다. 그녀는 판화작품에서 인쇄 프로세스 컬러인 적․청․황․흑색과 백색을 사용했는데 이 색들은 우리 고유의 오방색을 연상시키기도 한다.
이런 시도는 나무가 가진 기본적이고 개념적인 속성을 드러내는데 여기에 사용된 제한된 색상은 더욱 강렬한 느낌을 주며 종이의 자연색을 살린 종이작업과도 대비된다. 98년 갤러리 이콘의 전시에서 그녀는 나무의 일부분을 담은 같은 크기의 프린트들을 모아 종이 오브제 뒤의 세 벽면을 둘러싸게 붙여 인위성을 배제하고, 종이의 성질을 이용해 만든 나무의 입체 형태와 강렬한 원색과 명확한 형태의 인공적인 느낌을 불러일으키는 판화작품이 한 장소에서 대응되도록 구성했다.
섬세한 변화의 흐름을 따라서 그녀에게 있어 ‘결’이라는 개념은 작품 전체를 엮는 기본적인 틀이다. 종이 위에 남겨진 나무 껍질의 미세한 결들, 텅 빈 종이오브제 사이로 흐르는 바람결, 작고 무수한 형태로 이루어진 <물결>. 이들은 모두 자연의 근저에 흐르고 있는 미세한 변화의 흐름을 담고 있다. 눈에 보이지는 않지만 끊임없이 변화해가는 파동들은 살아 움직이는 생명의 움직임이다. 같아 보이지만 미세한 차이를 담아내기 위해 그녀가 택한 방법은 ‘반복’이다. 이는 하나의 판을 두고 여러 개의 작품을 만드는 판화의 특성과 같다. 그러나 같은 작품을 반복해서 제작하는 것이 아니라 조금씩 다르게 하여 병치시킴으로서 보는 사람으로 하여금 그 차이들의 ‘사이’에 위치하게 한다.
소재에 있어서나 개념에 있어, 하원의 작품은 동양적이며 정적인 느낌을 준다. 나뭇잎 하나하나를 뜸으로써 나뭇잎이 가지고 있는 섬세한 변화와 각각의 실체를 반복한 <정적>은 특히 그렇다. 고요하면서 섬세한 변화를 좇는 작업의 반복으로 이루어진, 부서질 것처럼 연약해 보이는 종이오브제들은 공간 속에서 가볍게 부유한다. 사물의 배후에 가려진 정적인 상태, 가득 차 잇는 것 같지만 텅 비어있는 속. 그것은 마치 도가나 불가에서 만날 수 있는 정신적 세계와 닮아 있다.
세상을 꽉 채우고 있는 물질문명의 틈바구니에서 줄기차게 진행되는 시간의 연속성을 뒤로하고 그녀의 정지된 화면 앞에서 잠시 멈춰 서 있어본다.